Le symbolisme en art

« Mouvement littéraire et artistique né en France à la fin du XIXe siècle et qui s'est diffusé en Europe à partir de 1890. Le symbolisme rejette la représentation objective du réalisme et du naturalisme pour lui préférer une suggestion de l'irrationnel et de la vie intérieure. En littérature et en poésie, la valeur musicale et symbolique des mots est exploitée afin de donner à l'expression toute la puissance évocatrice possible.

Métaphores et synesthésies (associations spontanées) sont les moyens stylistiques privilégiés. Représentants du symbolisme : Paul Verlaine, Arthur Rimbaud, Stéphane Mallarmé, Paul Valéry, Emile Verhaeren, JorisKarl Huysmans, Maurice Maeterlinck, Hugo von Hofmannsthal, Rainer Maria Rilke. Plusieurs écrivains ont inspiré des compositeurs contemporains ou postérieurs : Claude Debussy a ainsi repris la pièce de Maurice Maeterlinck pour son opéra Pelléas et Mélisande.

De même, Hugo von Hofmannsthal a longtemps collaboré avec Richard Strauss, notamment pour Elektra et pour la Femme sans ombre. Les poèmes de Verlaine, Rimbaud et Mallarmé ont également inspiré de nombreuses mélodies à Gabriel Fauré, Claude Debussy ou Henri Duparc. En peinture : Odilon Redon, James Ensor et Alfred Böcklin et Gustav Klimt. Le symbolisme en art En 1848, à Londres, un groupe de jeunes poètes et peintres s'associe et forme la confrérie des préraphaélites.

Menée par les peintres William Holman Hunt, John Everett Millais et Dante Gabriel Rossetti, la Préraphaélite Brotherhood se propose de lutter contre l'académisme dominant et contre le réalisme, pour recommencer à peindre selon un modèle non seulement esthétique, mais aussi idéologique, inspiré par les peintres primitifs italiens "jusqu'à Raphaël".

C'est un projet analogue à celui qui avait été tenté par les nazaréens allemands à Rome en 1809, et par les puristes italiens en 1833, qui ont suivi d'autres voies, avec des résultats moins significatifs.

En 1880, d'autres artistes anglais s'insurgent contre la décadence esthétique des arts appliqués, provoquée, selon eux, par une production industrielle de plus en plus envahissante, qui privilégie la quantité au détriment de la qualité.

Le partisan le plus convaincu de cette thèse est William Morris : influencé par la pensée de John Ruskin, il affirme la nécessité de retourner au travail manuel artisanal et refuse toute forme de production en série.

C'est dans cette optique que Morris fonde en 1888 l'Arts and Crafts Exibition Society.

A partir de cette date et jusqu'en 1902, la société organise à Londres des expositions quadriennales de tapisseries, de tissus et de meubles, caractérisés par des motifs décoratifs naturalistes et moyenâgeux.

Ce sont là les premières manifestations d'une nouvelle tendance artistique qui intéresse toute l'Europe, depuis les dernières années du XIXe siècle jusqu'aux vingt premières années du XXe, avec des caractères et des noms différents selon les pays : art nouveau en France, Velde stile en Belgique, Liberty en Italie, Sezessionstil en Autriche, Jugendstil en Allemagne, Modern style en Grande-Bretagne, Arte Joven en Espagne.

Né en opposition à l'académisme figé et l'éclectisme redondant qui avaient caractérisé le XIXe siècle, l'art moderne (c'est ainsi que les contemporains d'alors nommaient ce profond renouveau stylistique) refuse les styles du passé - néo-classique, néo-gothique, etc.- et propose un style floral, librement inspiré de la nature.

Le premier centre moteur de l'art nouveau est la Belgique.

En 1893, à Bruxelles, l'architecte Victor Horta réalise un hôtel particulier rue de Turin, qui se caractérise par une élégante façade à motifs floraux.

Le belge Henry Van de Velde dessine lui aussi des édifices, des meubles, des tapisseries et différents objets d'ameublement, en utilisant des décorations naturalistes, conçues en relation étroite avec les fonctions utilitaires de l'oeuvre.

L'écossais Charles Rennie Mackintosh s'inspire de ces exemples. C'est le plus important représentant du Moderne Style anglo-saxon, dont les meubles se distinguent par leur géométrie rigoureuse, qui anticipent certains des aspects de l'art déco qui s'affirmera entre la première et la deuxième guerre mondiale.

Le nouveau style connaît un grand succès en France également, où le terme d'art nouveau désigne une production très diversifiée, depuis les stations de métro de Paris dessinées par Hector Guimard, jusqu'aux bijoux de René Lalique, aux verres d'Emile Gallé.

En Autriche, le mouvement s'affirme à Vienne à travers le groupe de la Sécession et la revue qui en est l'organe : Ver sacrum.

Parmi ses principaux représentants, nous trouvons le peintre Gustav Klimt, les architectes Joseph Olbrich et Josef Hoffmann.

En Espagne, l'architecte catalan Antonio Gaudí donne une interprétation très originale de l'arte Joven, en modelant ses édifices comme s'ils étaient fait d'argile.

L'exemple le plus célèbre est l'église, encore inachevée aujourd'hui, de la Sagrada Familia.

En Italie, le style Liberty (qui tire son nom de celui des grands magasins londoniens d'Arthur Lasenby Liberty, spécialisés dans la vente d'objets, de tissus et d'ameublements de style floral) s'affirme à la suite de l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs de Turin en 1902.

De Turin, où opèrent les architectes Raimondo d'Aronco et Fenoglio, le Liberty gagne aussi Milan, avec Giuseppe Sommaruga, et Palerme, avec Ernesto Basile.

L'influence de l'art nouveau se fait sentir aussi de l'autre côté de l'océan, où à New York, le joailler Louis Comfort Tiffany produit des objets en verre inspirés du monde végétal, d'aspect irrégulier avec des reflets métalliques, les Favrile glass.

Les lampes et les vitraux Tiffany sont encore très célèbres et très recherchés sur le marché des antiquités.

Il est désormais évident qu'à la fin du XIXe siècle, les arts appliqués ont dans toute l'Europe une importance toujours plus marquée, et qu'ils vont se placer sur le même plan que la sculpture et la peinture, dans un rapport d'influence réciproque.

Esthétisme, symbolisme et sensualité, sont des aspects typiques de la création artistique de cette période que nous retrouvons aussi dans la peinture de Gustav Klimt, le plus important représentant de la Sécession viennoise.

Un imaginaire analogue, mais plus onirique, habite les tableaux des Français Odilon Redon, Gustave Moreau, Pierre Puvis de Chavannes, chefs de file du courant symboliste et intéresse aussi la littérature, qui a parmi ses principaux représentants les poètes Mallarmé, Verlaine, Rimbaud, l'écrivain Huysmans.

Né par opposition au réalisme et à l'impressionnisme, le symbolisme tente une synthèse entre le rêve et la vie, le visible et l'invisible.

D'autres artistes rentrent donc dans ce cadre : les Suisses Arnold Böcklin et Ferdinand Hodler, l'Anglais Aubrey Beardsley, l'Allemand Franz von Stück, les Italiens Daniele Ranzoni et Tranquillo Cremona, représentants de la Scapigliatura lombarde, l'Autrichien Egon Schiele, le Belge James Ensor, le Norvégien Edvard Munch.

Par l'angoisse existentielle qu'ils traduisent et par leur style violemment émotionnel, Schiele, Ensor et Munch, annoncent à l'expressionnisme.

Comme l'avait déjà fait Toulouse-Lautrec, certains peintres se consacrent à la création d'affiches.

C'est le cas de l'Allemand Koloman Moser et du Bohème Alphonse Mucha, portraitiste de la comédienne Sarah Bernhardt.

La sculpture de la fin du XIXe et du début du XXe se ressent aussi du climat décadent dominant en peinture et en littérature.

Le Français Auguste Rodin marque le passage du réalisme au symbolisme.

Il est entre autres l'auteur du Penseur, image emblématique de la crise d'identité qui atteint les intellectuels de l'époque.

Situé en général dans un rapport étroit avec l'impressionnisme, le sculpteur Medardo Rosso lui aussi dissout progressivement l'image jusqu'à aboutir au symbolisme dans des oeuvres comme l'Ecce puer de 1906.. »